Sony
Cuando su pulso late, su corazón está en su garganta y puede cortar la tensión narrativa con un cuchillo, sabes que miras un thriller. También llamadas películas de suspenso, estas son películas que utilizan técnicas de películas seguras para mantener a los espectadores en el borde de sus asientos, ojos pegados a la pantalla. Thriller también es uno de los géneros históricamente importantes más importantes de la historia del cine: muchas innovaciones más grandes del cine, que el público moderno dan por sentado por sentado para su uso en thrillers.
Esta es una gran parte de la razón por la cual muchos thrillers mejor calificados de Metacritic provienen de la llamada Edad de Oro de Hollywood. Estos primeros thrillers representan un género amplio y fundamental, cruzando e influyendo en todo, películas de guerra con ciencia ficción, como esta lista de los thrillers mejor calificados de confirmaciones metacríticas, los thrillers modernos a menudo se mezclan con otros géneros. Entonces, respire profundamente, estabilice sus nervios y recuerde que esta es solo una película cuando nos sumergimos en películas de thriller clasificadas 95 y más en metacritos.
Doble compensación (1944)
Imágenes primordiales
El thriller de cine de “doble compensación” de Billy Wilder es la historia de una mujer llamada Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck), quien decide matar a su esposo por la póliza de seguro de vida y logra convencer a un vendedor de seguro llamado Walter Neff (Fred Macmurray) Ayuda a ayudarlo a hacerlo. Todo parece ir bien al principio, pero las cosas se complican para Phyllis y Walter cuando el jefe de este último se convierte en un sospechoso sobre la muerte y trata de demostrar que fue un asesinato.
“Double Compensation” fue un pionero en el género de thriller, influyendo en muchos cineastas en los años y las décadas que siguieron. De hecho, muchas películas en esta lista le deben una deuda de gratitud: Alfred Hitchcock escribió una vez: “De” doble compensación “, las dos palabras más importantes en las películas son” Billy “y” Wilder “”. Este thriller seminal fue rehizo por el director Jack Smight (mejor conocido por el thriller de Paul Newman “Harper”) en 1973, pero la versión actualizada no puede tener una vela original casi perfecta, que también es cautivadora hoy solo en la década de 1940.
No mires ahora (1973)
Películas de leones británicos
Basado en una noticia de 1971 de Daphne du Maurier, la película psicológica de 1973 “Do’t Look ahora” presenta a Donald Sutherland y Julie Christie como una pareja casada que se mudó a Venecia después de la muerte de su hija. John Baxter de Sutherland fue contratado para restaurar una iglesia en la famosa ciudad italiana. Las cosas comienzan a ser extrañas después de que la pareja se encuentra con una mujer aparentemente clarivoria que afirma tener un mensaje de su hija fallecida y John comienza a ver cosas que no puede explicar.
“Don’t Looking Now” fue liberado a críticas generalmente positivas en ese momento, pero la gente tardó un tiempo en reconocer al aterrador thriller de Nicolas Roeg por lo que es: una exploración magistralmente fabricada y frecuentemente aterradora. El veterano crítico Roger Ebert estuvo entre los que cambiaron su opinión sobre la imagen. Después de revisar la película en 2002, escribió: “Pocas películas nos ponen tanto en la mente de un hombre que trata de hacer un razonamiento libremente de creciente terror”.
Gravity (2013)
Warner Bros.
Alfonso Cuarón ganó el premio por el mejor logro dirigiendo su thriller espacial “Gravity” de 2013, que también coescribió y coeditó. Presenta a Sandra Bullock como astronauta Dr. Ryan Stone, ingeniero médico y especialista en misión que intenta desesperadamente encontrar un camino de regreso a la Tierra después de la destrucción de su transporte durante su primera misión espacial. Como lo hacen los thrillers, está en el lado contemplativo, pero no te dejes engañar: la “gravedad” es una verdadera correa de uñas en algunos lugares, que se hace aún más memorable por las increíbles imágenes y las actuaciones cautivadoras de Bullock y George Clooney, quien interpreta a su infeliz comandante.
No es ningún secreto que las películas de ciencia ficción a menudo se equivocan en el espacio. Cuarón ha tomado ciertas libertades para operar la historia, pero, en general, la “gravedad” es, de hecho, menos ciencia ficción y más hechos científicos, con astronautas reales elogiando cómo la película es la película es precisa. “Hubo un Witurucout único que usamos en uno de mis caminatas espaciales y, por supuesto, tenían esta copa en la película”, dijo Michael J. Massimino Revista de seguridad espacialY Buzz Aldrin también señaló el realismo en una revisión por la que escribió The Hollywood ReporterAl decir: “Fui tan extravagante por la representación de la realidad de la gravedad cero”.
Calles promedio (1973)
Warner Bros.
La tercera característica de Martin Scorsese, “Mean Streets” de 1973, es la historia de dos jóvenes que viven en el distrito de Little Italy de Nueva York. Charlie Cappa (Harvey Keitel) es un católico devoto que tiene problemas para reconciliar el trabajo que hace para su tío mafia-jefe con su religión. Su vida es más complicada por el comportamiento imprudente de su amigo John “Johnny Boy” Civello (Robert de Niro), quien le debe dinero a los tiburones de préstamos peligrosos y no parece preocuparse por las repercusiones para no reembolsarlo.
La parte del crimen y el estudio de los personajes en parte, “Mean Streets” es una película en bruto y a bordo de su asiento que lo golpeará en las sensaciones inesperadamente. Fue la película la que puso a Scorsese en el mapa, aunque no tienes que ser fanático del trabajo del cineasta para aprovecharlo. Escribir El neoyorquino Cuando la película llegó a Cineplexes por primera vez, Pauline Kael dijo: “Mean Streets es un verdadero original de nuestro período, un triunfo del cine personal”.
The Hurt Locker (2008)
Summit Entertainment
Descrito como “suspenso feroz” por The New York Times y “una película casi perfecta” de Tiempo Magazine, no es una exageración decir que “The Hurt Locker” de Kathryn Bigelow es una de las mejores películas de guerra de todos los tiempos. Siguió un equipo explosivo de eliminación de municiones durante el segundo año de la guerra en Irak. El sargento de primera clase de Jeremy Renner, William James, se encarga del equipo después de que el sargento del personal Matthew Thompson (Guy Pearce) es asesinado por un asegurador iraquí. La tensión se fortalece de manera exponencial durante los 131 minutos de la película, con el equipo desarmando las bombas y superando a los tiradores de élite mientras cruzan la tierra hostil.
Lo que distingue a “The Hurt Locker” de las películas sobre el tema similar producido durante este período es que se ve perfectamente la línea entre el thriller de Hollywood y la exploración granular de la guerra en Irak, negándose a rechazar las motivaciones del personaje principal mientras es interminable . “La película de Bigelow combina la gestión de expertos con atención sensible y periodística al detalle: tiene un ojo sobre la verdad y el otro en el multiplex”, dijo Hora muertamientras El telégrafo Lo llamó un thriller de trituración nerviosa Super to to the Sea que revela más sobre las realidades de los conflictos militares contemporáneos que la mayoría de los documentales “.
Zero Dark Thirty (2012)
Sony
Otro thriller de guerra casi perfecto de Kathryn Bigelow, “Zero Dark Thirty” en 2012 es una dramatización de la caza en Osama bin Laden, el hombre detrás de los ataques terroristas del 11 de septiembre. Jessica Chastain desempeña el papel del analista de inteligencia de la CIA llamado Maya, quien está a cargo de la cacería humana para el jefe de Al-Qaeda. La película se extiende durante la década entre los ataques y la Operación Neptuno Spear, en la que un grupo de trabajo de SEAL SEIM SEIS retiró y mató a Bin Laden después de haber descendido en su complejo en Pakistán.
Esta película vino con su parte de la controversia, principalmente por la forma en que describe la tortura como un mal necesario. “Zero Dark Thirty” también contiene inexactitudes históricas y errores objetivos. No hay bypass de estas fallas por parte de los cineastas, aunque cuando juzgas “Zero Dark Thirty” puramente como una experiencia cinematográfica, es absolutamente fascinante. El término “senderismo en las sensaciones” se usa en exceso en las críticas, pero rara vez ha sido más apropiado. Como Owen Gleiberman de Weekly Entertainment Dijo: “De vez en cuando, una nueva película principal fusiona el periodismo, el alto drama de procedimiento y la atmósfera oxigenada de un thriller en una nueva versión de la historia escrita con Lightning”.
Parasite (2019)
Neón
El “parásito” de Bong Joon Ho hizo la historia en 2020 cuando se convirtió en la primera película que no habla inglés en ganar el Oscar a la mejor película, el cineasta surcoreano también ganó el premio al mejor director. Este thriller de comedia oscura sigue a los Kims, una familia pobre cuyos miembros se han insertado gradualmente de la rica familia de parques, infiltrando su casa y su vida en el proceso. Comienza cuando Kim Ki-woo (Choi Woo-shik) obtiene un inglés en inglés de Da-Hye Park (Jung Hyeon-Jun) utilizando un certificado forjado. Ki-Woo continúa obteniendo trabajos en el hogar para otros miembros de su familia mintiendo sobre su experiencia, el Kim mantiene el hecho de que todos están vinculados a los secretos de los parques.
El parásito tiene un puntaje de 97 en Metricítico Y él también tiene una nota casi perfecta sobre Tomates podridosdonde está certificado de nuevo con una nota del 99%. El consenso general entre las críticas es que la emocionante película de Bong Joon Ho es nada menos que una obra maestra, la que queda contigo mucho después de que los créditos hayan lanzado. “Una película que siempre tiene dos pensamientos en la cabeza al mismo tiempo, una pieza épica espectacular y una habitación brutal, sofisticada, sofisticada, como un martillo”, dijo el martillo “, dijo Tiempo financieromientras Imperio La revista lo llamó “un milagro de una película”. Una cosa es segura: el “parásito” es una película que tiene mucho valor de refundición.
Battleship Potemkin (1925)
Goskino
“Battleship Potemkin” es uno de los primeros thrillers hechos. Una película muda diseñada para ir acompañada de la música, “Potemkin” fue dirigida por el cineasta soviético Sergei Eisenstein y tiene un origen intrigante de doble naturaleza. Es una película de propaganda gubernamental, específicamente responsable de celebrar el vigésimo aniversario de la Revolución Rusa de 1905 y el levantamiento del poema real, un evento clave en el camino a la revolución rusa de 1917. “Potemkin” también aclaró y finalmente encarnó la pionera de Eisenstein. Teorías sobre montaje y edición cinematográfica.
En los dos frentes, fue un éxito sin reservas: las técnicas de publicación de Eisenstein crearon una tensión intensa a través de la yuxtaposición y sentó las bases del futuro del cine. El resultado final es un llamado tan efectivo para la revolución que se ha prohibido en varios países, por temor a que el público se vea obligado a tomar las armas después de mirarla. En particular, la secuencia legendaria “Odessa Steps” es uno de los montajes más influyentes en la historia del cine y se ha hecho referencia en todo, desde “Godfather” hasta “venganza de los Sith”.
Psycho (1960)
Imágenes primordiales
En 1960, Alfred Hitchcock presentó el mundo al asesino en serie Norman Bates, uno de los antagonistas más conocidos del cine. Al contar su historia retorcida, Hitchcock desafió directamente las prácticas de censura de la época con las animadas representaciones de violencia y sexualidad de la película. “Psycho” es considerado por muchos como la primera película de Slasher, su éxito ofreciendo la base de un género de sujeto completamente nuevo que continuaría barriendo la industria. “Psycho” también estableció a Hitchcock como maestro del horror, un género estrechamente vinculado, y a menudo se superpone con los thrillers, aunque casi ninguno de sus trabajos anteriores puede clasificarse como un horror.
Hay muchos elementos que hablan sobre el genio del “psicópata”, pero quizás ninguno es mayor que los cebos centrales y los cambios en su arco narrativo. Hitchcock pasa las primeras partes de la película para obtener la audiencia firmemente al lado de Marion Crane por Janet Leigh, una joven que salta la ciudad después de haber robado a su jefe. Crane es obviamente el protagonista de la película, lo que lo hace completamente impactante cuando es asesinada a mitad de la película en la famosa escena de la ducha. Esta escena es una de las más famosas de la película: 2017 vio el lanzamiento de “78/52”, un documental completo en el escenario de ducha de Hitchcock.
Rififi (1955)
Patio
El género que los thrillers tienden a montar con mayor frecuencia es el crimen. El “Rififi” de Jules Dassin, una película francesa Black que hizo el Dassin estadounidense después de ser víctima de la famosa lista de Black Hollywood, es una de las películas originales. Es muy notable para una escena de 28 minutos en la que los cuatro protagonistas criminales cisen un techo y rocían en una caja fuerte, todo en ausencia de música o diálogo. La ausencia total de todo lo que sea que sea lo que hace las herramientas de los ladrones en esta escena lo invierte con un suspenso natural. Hace al público, en palabras de Roger Ebert“Funcionalmente sofocado con simpatía”.
Casi más interesante es el hecho de que “Rififi” es una adaptación de una novela de Augustus Le Breton que Dassin odiaba absolutamente. Responsable de adaptar un libro que odiaba, decidió expandir la breve escena de los pizca de la novela en esta secuencia silenciosa ahora legendaria que toma una cuarta parte del tiempo de operación de la película. Esto permitió a Dassin simplemente ignorar grandes partes de la historia original, y terminar en los anales de la historia de la película.
El tercer hombre (1949)
Películas de leones británicos
Esta lista está en gran medida llena de autores y cineastas que ejercen un control creativo casi total sobre su trabajo. Por otro lado, “The Third Man” de Carol Reed, que se considera una de las mejores películas británicas de todos los tiempos, es una colaboración. Fue producido por el legendario David O. Selznick y tiene un escenario del famoso novelista inglés Graham Greene. También se beneficia de una puntuación brillante del compositor austriaco Anton Karas, quien presenta fuertemente al Zitor.
Sin embargo, es la visión creativa implacable de Reed la que alberga la película. Los ángulos y la iluminación poco convencionales capturan de manera única las calles rotas de Viena, el telón de fondo perfecto para una historia sobre un autor estadounidense que se absorbe en el lindo vientre europeo después de la Segunda Guerra Mundial. La guinda en la parte superior es Orson Welles, que ofrece un rendimiento histórico bajo el nombre de Harry Lime, uno de los mayores desagradables del cine. Se presume muerto en la mayor parte de la película antes de hacer su entrada emblemática y pronunciar su discurso inolvidable “Cuckoo Clock”.
Norte por Noroeste (1959)
MGM
Alfred Hitchcock está bien representado en esta lista, pero “North by Northwest” de 1959 es diferente de varias de sus otras películas y cumple una función diferente en la historia. Siempre es un thriller, y es reconocible hacer Hitchcockian en el sentido de que envía a su asombroso protagonista a través de una red enredada con crimen, intriga e identidad errónea. Pero en su tono general, parece una película de acción temprana. Se observó que “North by Northwest” puede considerarse una historia de la idea moderna del éxito de taquilla de verano. Él allanó específicamente el camino para James Bond Films, tanto que su estrella, Cary Grant, originalmente se acercó a Bond en “Dr. No” de 1962 (lo rechazó).
“North by Northwest” tiene un compromiso más fuerte para mantener las cosas ligeras y divertidas que muchas películas de Hitchcock. Aunque el sentimiento distintivo de Hitchcock de una distinta amenaza se puede sentir claramente, especialmente en la escena en la que el personaje de Grant es atacado por un cojín, son los momentos de puro espectáculo, como el enjuiciamiento culminante en la parte superior de Mount Rushmore, que tendencia a ser mejor recordado.
La dama desaparece (1938)
MGM
La primera película de Hitchcock en esta lista, “The Lady Vanishes” es una de las entradas más importantes en la filmografía del Maestro de Sussense. Incorporando muchos elementos que posiblemente deberían considerarse hitchcockian, presagia específicamente “al norte por noroeste” como un thriller espía con fuertes sensibilidades cómicas que tienen lugar, al menos en parte, en un tren en movimiento. Esto también es parte de un legado de películas que presentan a un protagonista solitario rodeado de personas que recuerdan misteriosamente los eventos o personajes que el protagonista sabe cómo haber sido real: la realización de esta tendencia es “Gaslight” de 1944, que engendró el término “Gas Gaslighting”.
Más importante aún, el éxito comercial de “The Lady Vanishes” lanzó la carrera estadounidense de Hitchcock porque llamó la atención de David O. Selznick. Selznick luego dibujó a Hitchcock a través del Atlántico para hacer “Rebecca”, un paso crucial en su convertido en el cineasta que recordamos hoy.
Touch of Evil (1958)
Universal
De todas las películas en esta lista, “Touch of Evil” puede ser el más sorprendente. En 1958, fue un fracaso crítico y comercial, considerado un desastre de una película negra con una trama confusa que no podía ser salvada por la cinematografía de Fantaisie d’Orson Welles. Los críticos y el público vieron, sin embargo, no fue la película que Welles tenía la intención de ver. Universal International volvió a emitir la película antes de su lanzamiento, en la medida en que Welles sintió la necesidad de escribir una nota de 58 páginas Explicando cómo se vería su versión. Welles ya era conocido por pelear con Creative Control Studios, y “Touch of Evil” resultó ser el colmo: fue la última película que hizo en Hollywood.
Afortunadamente, el respeto crítico por el “toque del mal” aumentó en las décadas que siguieron, y en 1998, la película se volvió a emitir según la nota de Welles. Hoy, se considera un clásico indiscutible, una película definida por su estilo visual inigualable, el más memorable encapsulado en la escena de apertura de tres minutos que tiene lugar a través de una sola foto de una cámara de corazón.
La noche del cazador (1955)
Artistas Unidos
“The Night of the Hunter”, el comienzo del director de Charles Laughton, es otro thriller que no es apreciado cuando su llegada, hasta el punto de que Laughton, que es mucho más conocida como actor, ya no realiza una película. Al pensarlo ahora, es fácil ver por qué fue tan influyente.
El corazón palpitante de “The Night of the Hunter” es Robert Mitchum, famoso por su trabajo que representa a los malos y los antihéroes. Su reverendo Macabre Harry Powell es una figura singularmente aterradora: es un hombre cuyos delirios religiosos lo llevan al asesinato y trompe con las palabras “amor” y “odio” a través de las articulaciones). Su búsqueda de jóvenes protagonistas de la película es una legendaria pieza de suspenso de cine de suspenso que ha inspirado innumerables imitadores y todavía se mantiene hoy. Laughton está comprometida con temas interesantes (si están confundidos) que involucran sexualidad y religión, pero la personificación del mal por Mitchum es la atracción principal.
Notorious (1946)
Rko
“Notorious” está a la altura de su nombre, ampliamente considerado un gran punto de inflexión en la carrera de Hitchcock. Al igual que “North by Northwest”, es un thriller espía con Cary Grant, y comparte el mismo ADN de James Bond de intriga política romántica. Pero “Notorious” alcanza las alturas solo espectaculares, tejiendo una historia de un triángulo enamorado de la guerra mundial posterior al secreto entre dos espías en los lados opuestos (Grant y Claude Rains) y el agente doble que les gustan los dos (Ingrid Bergman).
Ir a cada innovación cinematográfica y una etapa de “Notorious” que continuó influyendo en las generaciones de futuros cineastas tomaría demasiado tiempo, y eso es un cumplido. Sin embargo, más allá de estos logros, la esencia ganadora de “notorios” se encuentra en la alquimia entre los intérpretes, la dirección revolucionaria de Hitchcock y un guión de Ben Hecht que construye perfectamente las relaciones entre los tres personajes principales y su relación con el espionaje mismo. También tiene uno de los mejores extremos del cine, con una secuencia final y brutalmente de suspenso que termina con la mayor ganancia posible.
Vértigo (1958)
Imágenes primordiales
Cada 10 años desde 1952, Sight and Sound, una revista publicada por el British Film Institute, dirige una encuesta de las principales reseñas de películas del mundo para determinar las 10 películas más grandes jamás realizadas. La segunda encuesta de la revista en 1962 coronó “Citizen Kane” de Orson Welles como la mejor película de todos los tiempos, y ocupó este puesto durante 50 años. En 2012, sin embargo, se coronó un nuevo rey del cine: “Vértigo”, la obra maestra de Alfred Hitchcock en 1958, su última colaboración con la estrella Jimmy Stewart y la cima absoluta de su trabajo en la identidad errónea y la relación entre el amor y el amor. muerte.
Para estropear esta película para cualquiera que no lo haya visto, debería ser un delito penal, por lo que no lo haremos. Es suficiente decir que, como la mayoría de las películas de Hitchcock, es un misterio del asesinato, pero el asesinato en cuestión es accesorio, un dispositivo que mantiene la trama en su lugar. Los verdaderos misterios explorados en “Vértigo” son los de la psique de sus personajes, porque sus diversos traumas, engaños y obsesiones alimentan una historia cambiante y soñada donde nada es como parece y el antagonista final es el espíritu -incluso.
Salida trasera (1954)
Imágenes primordiales
Esta película de Hitchcock es otro misterio de asesinato inusual. Aquí, el misterio no tiene nada que ver con la identidad del asesino: nunca hay un solo sospechoso. Por el contrario, el misterio del “telescopio trasero” implica si el asesinato tuvo lugar o no, y si lo hizo, ¿se puede probar? Incluso entonces, este misterio no es lo que hace que el “telescopio trasero” sea uno de los mejores thrillers de todos los tiempos. Su suspenso proviene del hecho de que el personaje principal, el fotógrafo aventurero de Jimmy Stewart, LB Jefferies, pasa toda para hacer el trabajo viajero y sucio.
Las películas a menudo le piden que lo identifique con el protagonista. Sin embargo, pocas películas tienen una audacia descarada para colocar literalmente al protagonista en la posición del público público, observando los eventos que tienen lugar a través de una lente de la cámara mientras no puede cambiar lo que está sucediendo. En esto, es tanto un comentario como una celebración de las películas en sí, y el thriller de suspenso final. Y si estabas confundido por El final del “telescopio trasero”, aquí hay un explicador detallado que desglosa todo.