Nuevo cine

Las reseñas de cine son geniales. Pero no importa cuánto puedan estar imbuidos del cine, todavía son solo personas, y de vez en cuando, es probable que malinterpreten una película, escriban una crítica podrida y terminen en pánico en algo que es realmente increíble. A veces, llega una película ambiciosa y logra generar la ira de casi todas las críticas del planeta. Estas desafortunadas películas se lanzan en la cuneta y se olvidan en gran medida por el público, lo cual es una pena porque son secretamente increíbles.

Por supuesto, todos tienen una opinión, y gracias a la gama cada vez más abundante de opciones de transmisión disponibles para los espectadores de hogares, muchas películas nunca son más de un clic, por lo que incluso si una película ha fallado su turno de gloria en el cuadro para apreciarlo ahora. Entonces, hoy no conocemos a los enemigos y vemos películas que han sido mal asadas. Novelas de Stoner con aventuras mitológicas, aquí hay algunas películas críticas odiadas que son realmente geniales.

Gancho

Fotos Tristar

Parece que todos odian “gancho” de 1991. Es ampliamente considerado como una de las peores películas de Steven Spielberg, e incluso el propio director menospreció la película. Los críticos de cine han guardado esta historia de Peter Pan como hinchada, desordenada y cursi, pero tal vez sea porque todos crecieron y olvidaron lo que es tener una imaginación.

Si vivió los años 90, probablemente sepa que la historia gira en torno a Peter Pan (Robin Williams) como adulto. Cambió su nombre, fundó una familia, que se convirtió en abogado y olvidó por completo sus aventuras en Neverland. Pero cuando sus hijos son secuestrados por el famoso Capitán Hook (Dustin Hoffman), Peter se ve obligado a volar, pelear y cantar si quiere volver a ver a sus hijos.

Es cierto que “Hook” está lejos de ser uno de los mejores de Spielberg, pero para una película sobre la infancia, trata algunos temas sorprendentemente maduros como el amor no relacionado, la edad y la inevitabilidad de los muertos. Es una película sobre familias disfuncionales y niños abandonados, y además de las cosas profundas que tienen lugar detrás de la superficie, “Hook” es puro entretenimiento Spielbergian. Y aunque muchas críticas han apilado a Julia Roberts como Tinkerbell, no se puede negar que Bob Hoskins, Maggie Smith y Dustin Hoffman sean absolutamente perfectos en sus juegos. Además, la puntuación de John Williams es pura magia, y siempre es un placer volver y pasar tiempo con el gran Robin Williams.

Alien 3

20th Century Fox

Cuando el primer director David Fincher fue contratado para “Alien 3”, la película ya llegó tarde, no había un guión terminado y el estudio había perdido varios millones de dólares en el proyecto. Peor aún, Fincher fue obstaculizado seriamente por los productores de micro motor de Fox. Cuando la película cronometró unas tres horas, casi nunca se lanzó antes de que el estudio la obligara a cortar más de 30 minutos de equipo.

En consecuencia, el director repudió la película de 1992, pero no fue el único en odiar “Alien 3”. Los fanáticos siempre están furiosos por la muerte de Hicks y Newt, y la mayoría de las críticas salvaron la película, diciendo que era un estilo en la sustancia. Hoy, se clasifica regularmente entre las peores películas “extraterrestres”. Si es cierto que “Alien 3” enfatiza mucho en la atmósfera, esto es lo que lo convierte en una de las películas más fascinantes de la legendaria carrera de Fincher.

Ubicado en una triste cordada de la prisión, este tercer episodio es oscuro, sucio y bellamente estéril. La película de Fincher es tan nihilista que hace “un verdadero detective” como “Parques y ocio”. Además, Sigourney Weaver está en la cima de su juego aquí, jugando un Ripelle más cínico que se reconcilió valientemente con su inevitable destino. Es cierto que el Xenomorfo se ve un poco janky de vez en cuando. Y sí, los cambios forzados se retiran de la historia general (por supuesto, puede consultar el corte de la Asamblea para tener una idea de la visión original de Fincher). Pero a pesar de las desventajas, “Alien 3” es un mundo visualmente brillante de monjes criminales y paisajes infernales inflamados, una película que podría haber sido el final ideal para una serie histórica.

La celda

Nuevo cine

Dirigida por Tarsem Singh, “The Cell” no es una película para todos. De hecho, no fue una película para la mayoría de las críticas cuando se lanzó en los cines en 2000. Según el texto de presentación oficial sobre Rotten Tomates, la película “se ve socavada por una intriga débil y superficial que no ofrece nada nuevo”. Es cierto que se puede decir que “la celda” toma prestadas de películas como “Le Silence des Lambes”, pero Guy es que toma prestado con estilo.

Recibido por Roger Ebert – Una de las raras críticas a las que realmente le gustaban: como “una de las mejores películas del año”, “The Cell” cuenta la historia de Catherine Deane (Jennifer López), una psicóloga infantil que usa tecnología impresionante para explorar la mente de Un asesino en serie inconsciente llamado Carl Stargher (Vincent d’Onofrio). Antes de sufrir una crisis, Stargher encarceló a una niña en una extraña trampa de muerte, y ahora solo tiene horas de vivir. Deane es responsable de encontrar dónde está, pero el subconsciente de Stargher es un mundo de pesadilla de dispositivos de tortura, cuernos y muñecas vivas, donde los cadáveres se bañan en sangre, los caballos se disecan con toboganes de vidrio y los hombres tienen sus intestinos. de sus cuerpos.

Sí, “la celda” está completamente depravada, pero es tan hermoso de ver. Si estás en disfraces, estás en un placer grotesco, como el diseñador Eiko Ishioka ha creado un mundo de alas púrpuras demoníacas, coronas doradas masivas y máscaras sádicas de ciencia ficción. Mejor aún, los conjuntos son prácticos, las actuaciones están en el punto y el resultado es algo grande, sangriento y perversamente.

La caza

Imágenes primordiales

Con respecto a los Birondeurs, William Friedkin es uno de los mejores de la compañía. Después de todo, fue el tipo que hizo “la conexión francesa” y “The Exorcist”, y en 2003 “The Hunted”, nos da una película de enjuiciamiento para las edades, con un Tommy Lee Jones Grisonnant a través de un psicótico Benicio del Toro A través del bosque de Oregon. Por supuesto, la película tiene un índice de aprobación del 29% en Rotten Tomatoes, pero Go. Jones y Del Toro pelean en un cuchillo. ¿Qué más deberías saber?

En cuanto a la intriga, la historia sigue a un rastreador cansado llamado Lt Bonham (Jones). Solía ​​enseñar a los soldados ops especiales a matar, pero desafortunadamente, su entrenamiento era demasiado bueno. Después de ver cosas bastante horribles en el extranjero, su ex alumno Aaron Hallam (Del Toro) ha perdido la cabeza y ahora pasa su tiempo eligiendo a los cazadores de ciervos. Entonces Bonham es llevado para darle a su estudiante una última lección. ¿Y hemos mencionado que Tommy Lee Jones y Benicio del Toro están peleando en un cuchillo?

El actor veterano es increíble como un superviviente cansado, un hombre que sabe lo que debe hacer, pero eso no significa que deba disfrutarlo. En cuanto a Del Toro, es aterrador y comprensivo como un hombre que ha visto y extendido demasiada sangre. Friedkin sigue a estos dos de una manera experta continuando, y con respecto a la confrontación final, no hay movimientos ninja que se ve aquí. Es doloroso, brutal y en tu rostro, lo que resume casi la sensación de este thriller subestimado.

Hombre en llamas

20th Century Fox

Dirigida por Tony Scott, “Man On Fire” de 2004 es una historia de venganza azul fría que explota en llama cada vez que Denzel Washington se enoja. El doble ganador de los Oscar juega a un guardaespaldas alcohólico descolorido llamado Creasey que recibe una oportunidad en la redención cuando contrató para proteger a una chica de nueve años llamada Pita (Dakota Fanning) que vive en México. Los dos pronto desarrollan un enlace adorable, pero la felicidad de Creasey se arranca cuando los gángsters secuestran a Pita para Rançon.

Fue en este momento que Creasey se convierte en un último to de Hard -to -Cook. Es cierto que todos en esta película, desde Christopher Walken hasta Mickey Rourke, son fantásticos, pero en realidad, esta película se trata de Denzel. Su personaje ha sufrido demasiado, ha sentido demasiado dolor a lo largo de los años, y ahora está listo para pintar una obra maestra de venganza.

Una buena cantidad de críticas creen que la última mitad de la película es demasiado fea y violenta, pero es una película sobre padres y niñas, y qué padre que se respecta a sí mismo no cortaría el dedo de un tipo si eso significara obtener justicia para su hijo? Si no ha visto “hombre en llamas”, simplemente ignore a los críticos podridos. La venganza es quizás un plato que se sirve mejor frío, pero es una película mejor vista en este momento.

Tesoro nacional

Disney

Hollywood rara vez hace películas de aventura directa en estos días, por lo que es una pena que el “Tesoro Nacional” haya sido destrozado por las críticas. La articulación de esta Jerry Bruckheimer fue descrita como “una fortuna desperdiciada”, “Mucho Hooey” y “Ranid Cinematic Cheese”, pero es más que un poco difícil. A pesar de algunos inconvenientes, “National Treasture” es una película animada de palomitas de maíz que se encuentra igualmente en parte de Indiana Jones, “Ocean’s Eleven” y “Hamilton” (sin canción, por supuesto).

La película de 2004 sigue a Benjamin Franklin Gates (Nicolas Cage), un historiador en busca de un ligero tesoro perdido, que se entera de que hay una tarjeta con el tesoro oculto a la parte posterior de la Declaración de Independencia. Desafortunadamente, el cazador de tesoros de su colega, Ian Howe (Sean Bean), decide robar la declaración, obligando a Ben y su acólito Riley (Justin Bartha) a ingresar a los Archivos Nacionales y poner en sus manos el documento. Con la declaración en la mano, Ben pasa por la tierra de pisoteo de los padres fundadores estadounidenses, resolviendo los rompecabezas y haciendo todo lo posible para evitar un aluvión de pelota.

Es cierto que Nicolas Cage tiene dolor de cabeza, y alguien debería haberse dado cuenta de que había 56 firmantes de la Declaración de Independencia (no 55), pero el “Tesoro Nacional” realmente brilla cuando nuestros héroes son confundidos en los códigos e intentan reconstruir pistas. Hay tinta invisible, figuras ocultas y gafas inventadas por Benjamin Franklin, sin mencionar las conspiraciones que involucran a los masones y los templarios. Además, Sean Bean, Diane Kruger y Harvey Keitel son divertidos de ver mientras ayudan y obstaculizan la jaula en su búsqueda para encontrar el montón de oro más grande del mundo.

Constantino

Fotos de Warner Bros.

Cuando “Constantine” se lanzó en 2005, tuvo un momento con los espectadores. Perdió dinero en la taquilla nacional, y las críticas hicieron todo lo posible para exorcizar la película de los cines, describiéndola como “confundida”, “tortura lenta” y “completamente más allá de la redención”. Por supuesto, está bastante claro que estas críticas estaban en la liga con Lucifer, porque “Constantine” es una película infernal.

No tiene mucho en común con “Hellblazer”, la franja cómica en la que está basado en súper mano, pero sin embargo, es una película negra increíblemente divertida en un fumador en cadena Cynus que deporta a los demonios por razones completamente egoístas. Cuando era niño, trató de terminar su vida, y ahora está condenado por la eternidad. Por lo tanto, su plan es exorcizar su camino hacia el cielo, y finalmente tiene la oportunidad de salvar su alma cuando un policía (Rachel Weisz) le pide que investigue la muerte de su hermana psíquica (también Rachel Weisz).

Dirigido por Francis Lawrence, “Constantine” sumerge a nuestro héroe en un mundo tan fantástico como el universo “John Wick”. Y honestamente, John Constantine es uno de los mejores rendimientos de Reeves. El hombre juega una mezcla entre Sam Spade y Neo de “The Matrix”, mezclando de manera experta en una sensación de humor sarcástico, el detective separado y el lado secreto de la empatía antihéroe. Luego está Tilda Swinton como una increíblemente suave Gabriel y Peter Stormare como la más sombría de Satanás de todos los tiempos. Con toda esta impresión, es confuso que la película duele tanto, aunque todavía se produce una suite dirigida por Reeves.

Hot rode

Imágenes primordiales

En esta producción de la isla Lonely, el actor Andy Samberg interpreta a Rod Kimble, un especialista en ciernes que ni siquiera puede liberar la piscina de la ciudad en su ciclomotor. Pero a pesar de sus constantes fracasos, Rod se niega a abandonar sus sueños de Daredevil. Desafortunadamente, las cosas se complican cuando el padrastro de Rod, Frank (Ian McShane), necesita dinero para pagar una cirugía cardíaca. Rod quiere desesperadamente salvar la vida de Frank, para que pueda ganar su respeto finalmente vencerlo en una pelea de cuerpo y luego golpearlo hasta la muerte.

Con su grupo de amigos dedicados, el medio hermano Ringard Kevin (Jorma Taccone), el Relajado Dave (Bill Hader) y el Rico TV (Danny McBride), Rod se está preparando para el golpe de su vida, mientras intenta impresionarla bonita Vecina Denise (Isla Fisher). En el camino, hay una increíble parodia “Footloose”, una marcha pacífica que desciende en la anarquía, y quizás la mayor caída de la escena cinematográfica en la historia cinematográfica. También garantizamos que después de ver esta película, nunca escuchará la expresión “frijoles geniales” de la misma manera, y ciertamente no desafiará a un taco a una pelea.

Pero sobre todo, la película de 2007 funciona muy bien porque es muy sincero. Es suave y extrañamente conmovedor, que representa a Rod como un héroe real que quieres ver tener éxito para que pueda golpear a su padrastro a través de una pared. En otras palabras, a pesar de la mayoría de las críticas que han explotado la película como “baja” y “simplemente perezosa”, “hot rod” vivirá en los corazones de los fanáticos porque es simplemente demasiado legítimo para parar.

Conciencia

Summit Entertainment

Es innegable que Nicolas Cage ha tenido una carrera profesional, pero los fanáticos fieles son recompensados ​​de vez en cuando con una película legítimamente brillante como “Joe”, “Adaptación” … o “Conocimiento”. Sí, dijimos. Aunque casi todas las reseñas de cine quieren que esta película de 2009 perciba en un evento en términos de extinción, “saber” es realmente emocionante y hace preguntas filosóficas interesantes. Cuando eso no te asusta, te hace pensar, y eso es exactamente lo que hacen las mejores películas de ciencia ficción.

La intriga gira en torno a un maestro racional llamado John Koestler cuyo hijo (Chandler Canterbury) descubre un documento de 50 años cubierto de figuras. A pesar de su escepticismo, Koestler se da cuenta de que estas cifras son un código que predicen fechas y peajes de muerte de desastres importantes como el 11 de septiembre. Y mientras cava más profundamente en el misterio, se da cuenta de que algo malo se avecina en el horizonte, y con la apariencia inquietante de ciertos extranjeros de otro mundo, Koestler comienza a cuestionar todo lo que ha sabido sobre el universo.

Con el director Alex Proyas al timón, “saber” simplemente está lleno de miedo, el mismo miedo desenfrenado que encontrarías en una película como “señales”. Además, la película está luchando con conceptos como el libre albedrío en relación con la predestinación, así como un universo determinista en relación con un universo aleatorio. Es posible que no le guste dónde termina la película poniéndose a un lado, pero es una película que toma riesgos y genera ideas que vale la pena explorar después del rodamiento de crédito.

Confrontación de titanes

Fotos de Warner Bros.

Con un índice de aprobación del 28% en Rotten Tomatoes, la mayoría de las críticas pensaron que el “choque de los titanes” fue un error de proporciones mitológicas. Pero honestamente, parece que estas críticas han perdido su sentido de placer, porque el “choque de los titanes” de 2010 es una buena película B aún podría encantarte con criaturas locas, decoraciones exageradas y mucha imaginación.

La historia en sí es bastante simple. La humanidad cae enfermo de los dioses que los llevan, por lo que deciden que es hora de rebelarse. Por supuesto, los dioses no aprueban, por lo que amenazan con liberar al monstruoso Kraken si el rey humano no sacrifica a su hija. Desesperado, el rey se convierte en un medio Dios llamado Perseo (Sam Worthington), pidiéndole que encuentre una manera de matar a la bestia. Y dado que Perseo tiene su propio resentimiento con Mount Olympus, nuestro héroe organiza una aventura épica de espada y sandalias.

En el camino, Perseo se encuentra con una medusa asesina, escorpiones de gran tamaño y un trío de brujas, mientras se ve obligado a enfrentar a dioses todopoderosos como Zeus (Liam Neeson) y Hades (Ralph Fiennes). Las estrellas de “Schindler’s List” son un placer absoluto, transformando el Shakespeare a 11. Mezcle esto con un montón de monstruos y magia, y puedes ver cómo “Choque de los Titanes” es el tipo exacto de película que podría inspirar a la próxima George Lucas para hacer el próximo “Star Wars”.

Excelente

IFC Medianoche

Antes de dirigir la trilogía “Guardianes de la Galaxia”, James Gunn puso su sello en el tipo de superhéroe con “Super” de 2010, una versión optimista de “Taxi Driver” donde Juno y Dwight Schrute mueren de narcotraficantes con bombas de pipa y Wolverine garras. En serio, “Deadpool” y “Logan” parecen “Sesame Street” en comparación con la loca visión de Gunn. Pero si puedes soportar la sangre, te encontrarás nerviosamente riendo con una de las mejores sátiras de superhéroes, y el más desagradable.

La intriga sigue a un cocinero Schlubby llamado Frank (Rainn Wilson) cuya mujer (Liv Tyler) lo acaba de dejar por el traficante de drogas más delgado del mundo (Kevin Bacon). Pero después de haber recibido una visión de Dios, una insinuación de cuchillas de afeitar y tentáculos de anime, Frank piensa que es su misión divina convertirse en un superhéroe, combatir el crimen y salvar a su esposa de las garras del tocino. El acompañamiento en su búsqueda es Libby (Elliot Page), un cómic que tiene demasiado placer en romper las piernas y menospreciar las cabezas. Disfrazado de Bolt Crimson (con el acólito de sus hijos, Boltie), Frank usa una llave de tubería para castigar a los atacantes y personas que hicieron una línea.

La violencia es impactante de ver, y es esta protesta de sangre exagerada la que ha enojado tantas críticas. Por supuesto, la violencia aquí es de alguna manera el punto. Si los superhéroes existieran en la vida real, no serían las personas más estables del planeta, y Wilson hace un excelente trabajo para mostrar el dolor de Frank. La página es tan buena (y completamente hilarante) como un psicópata de Caquets, y con Gunn detrás de la cámara, “Super” es una respuesta salvaje y que se mueve lateral con cada tira cómica para salir de Hollywood.

Robocop

Línea de sony piches

Pensar que un clásico siempre es una batalla difícil, especialmente cuando este clásico es una obra maestra de ciencia ficción querida como “robocop”. Pero aunque el remake de José Padilha no tiene ninguna posibilidad contra el original de Paul Verhoeven, la versión 2014 es definitivamente una película con su propio estilo y sus propias ideas, asumiendo las premisas en nuevas direcciones fascinantes.

Joel Kinnaman interpreta a Alex Murphy, un policía estrecho que fue herido fatalmente por un automóvil. Con su cuerpo mutilado más allá del reconocimiento, él es el candidato perfecto para un programa experimental que lo transforma en un súper policía elegante. Pero, por supuesto, sucede más con el programa Robocop que se encuentra con los ojos, y lo suficientemente temprano, Murphy propone dejar caer a los grandes malos, muertos o vivos.

Es cierto que la calificación PG-13 significa que no hay violencia masiva. Sin embargo, la película de 2014 tiene muchas reflexiones sobre el mundo del siglo XXI, y quizás la actualización más interesante se refiere al arco del personaje de Robocop. En la película de 1987, Murphy comienza como un cyborg de sangre fría que lentamente encuentra su humanidad. Pero aquí, un Murphy emocional se vuelve cada vez más máquina con la película, perdiendo su capacidad para conectarse con los demás. La película también está luchando con conceptos intoxicantes como el libre albedrío, y aunque es tarde en algunos lugares, presenta un tiroteo increíble en la oscuridad y una secuencia realmente horrible donde Alex Murphy ve lo que queda de su cuerpo después de una explosión fatal. Aunque nunca reemplaza el original, el “robocop” 2014 toma riesgos suficientes para que lo compramos por completo por un dólar.

Ultra americano

León

Con Jesse Eisenberg y Kristen Stewart, “American Ultra” de 2015 fue presupuestado por $ 28 millones, pero solo hizo 27 millones de dólares en todo el mundo. Las críticas tampoco fueron salvajes en la película e hicieron todo lo posible para ejecutar la película de Spy Stoner. Pero tal vez los enemigos estaban demasiado cocinados para comprender completamente lo que estaba sucediendo en la pantalla. Dirigida por Nima Nourizadeh y escrita por Max Landis, “American Ultra” es una de las mejores películas relacionales jamás hechas, y muchas personas son asesinadas de una manera realmente genial.

La película sigue a una holgura más llamada Mike (Eisenberg) que desperdicia su vida trabajando en una tienda de conveniencia y aullando constantemente. Su novia Phoebe (Stewart) se da cuenta por completo de que Mike está un poco perdiendo, pero de todos modos está loca por él, a pesar de sus desventajas. Y esta es una buena noticia para Mike, porque necesitará todo el apoyo que pueda obtener cuando aparezca un equipo de asesinos en su puerta.

Sin el conocimiento de un micro amnésico, él es el único miembro restante de un proyecto del gobierno secreto, y ahora la CIA quiere apegarse a las extremidades sueltas. Pero los malos no saben que Mike se ha activado recientemente, y ahora puede matar a cualquier persona con cualquier objeto en el que pueda tener sus manos, incluso si siempre está completamente confundido sobre lo que sucede. Es una explosión ver a Mike asesinar a personas con cucharas y estufas, pero la verdadera culminación de la película es la relación entre Stewart y Eisenberg. Por lo tanto, aunque las batallas de estilo Bourne son mucho placer, el pegamento que mantiene esta película juntos es la química dulce y sexy entre esta pareja que ama el cannabis.

Río perdido

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“Lost River” fue el comienzo del director de Ryan Gosling en 2015, y a los críticos no les gustó; de hecho, odiaban eso. De acuerdo a Entretenimiento semanalCuando la película se tocara en Cannes, “Boos habría ahogado los aplausos”. Y, por supuesto, “Lost River” tiene sus problemas, pero son cualidades atrevidas, atractivas y ambiciosas, que todos queremos ver a Hollywood. Si está en imágenes bellamente surrealistas, o si solo quiere ver una versión malvada de Doctor Who, entonces tal vez esta película esté en su pasillo.

Con Christina Hendricks, Ben Mendelsohn y Saoirse Ronan, “Lost River” parece un cuento de hadas porque sigue el destino de una pequeña familia sobreviviente en un Detroit distópico. Al final, lo que es tan sorprendente en la película son las impresionantes pinturas de imágenes con su cámara. Miramos un pase de bicicleta ardiente frente a la pantalla. Bloody Eva Mendes realiza un espectáculo de asesinato macabro. Matt Smith sostiene el patio en la parte superior del trono de su automóvil. Un niño navega en un río lleno de lectores medio abrumados.

Está bastante claro que Gosling tiene un ojo para imágenes increíbles, y a pesar de los Vicorioli que se ha lanzado, “Lost River” es una película digna para un primer director, el que muestra que podría tener un futuro exitoso que se encuentra a sí mismo. Detrás de la cámara de nuevo.

El lote malo

Neón

El segundo largometraje de Ana Lily Amirpour, “The Bad Batch” de 2017, tiene la impresión de que George Miller, Sergio Leone y Alejandro Jodorowsky se encontraron con un día más cálido, cayeron mucho ácido y decidieron hacer lo más ensangrentado, el más brillante, el más loco, el mejor y decidió hacer el más sangriento, el más brutal, el mejor, el más, y decidió hacer el más sangriento, el más brutal, el mejor, el mejor y decidido de hacer el más sangriento, el Lo más brutal, el mejor, lo mejor y decidió hacer el más sangriento, el más brutal, el mejor occidental post-apocalíptico de todos los tiempos. Ubicada en el futuro, “The Bad Batch” sigue a una joven llamada Arlen (Suki Waterhouse) que fue exiliada de Estados Unidos condenada a deambular por el páramo, se encuentra como una placa principal para un grupo de culturismo caníbales.

Incluso si pierde a algunos miembros, Arlen logra escapar de sus secuestradores, y después de un pequeño derramamiento de sangre, recoge a una niña interpretada por Jayda Fink. Desafortunadamente, el padre del niño es Miami Man (Jason Momoa), el rey de Cannibal y el artista extraordinario que hará todo para encontrar a su hija desaparecida. El verdadero modo Wild West, Arlen y Miami Man terminan cruzando, con el sueño (Keanu Reeves), una cabeza de culto rodeada de un ejército de mujeres embarazadas en Uzi.

Es tan increíble como puede parecer, y honestamente, no tenemos idea de cómo el sueño de esta fiebre alimentado por carne terminó con una nota crítica del 43%. “The Bad Batch” es un retorno austero e inquietante a la explotación de los años 70, el que está interesado en ideas como quién es malvado, lo cual es bueno y qué es entre los dos. Además, está la banda sonora ecléctica, un Jim Carrey irreconocible y una escena de cena desagradable que haría Gag Leatherface, lo que convierte a “The Bad Batch” en una de las películas de ciencia ficción más salvajes y geniales de 2017.

El último chico explorador

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Dirigida por Tony Scott, “The Last Boy Scout” de 1991 tuvo una producción tristemente problemática, en gran parte gracias a la enorme cantidad de reescrituras que el guionista Shane Black se vio obligado a hacer. En consecuencia, terminamos con una película desordenada y desarticulada, y en ningún lugar tan apretado como “arma mortal” o “buenos tipos”. Pero incluso si es un poco mezclado, “The Last Boy Scout” es un fascinante cine de acción, una película llena de momentos locos que involucran bombas de automóviles, cuchillas para helicópteros y títeres para gatos con gatos groseros.

Comienza con una de las aperturas más convincentes que nunca verá en una película de acción, con un jugador de fútbol tóxico filmando una pistola en medio de un juego. (Bruce Willis) y el trimestre-Arrière han hecho Jimmy Dix (Damon Wayans) mientras investigan el brutal asesinato de la novia de diez (Halle Berry).

A medida que el dúo cava más profundamente en el caso, descubren una trama que involucra el juego y la NFL, pero lo que es realmente importante aquí es que el diálogo de Shane Black siempre es inteligente y que la dinámica entre Willis y Wayans se agrieta con la energía de los frenemi. Es cierto que la película tiene un pequeño problema con sus personajes femeninos, pero en el lado positivo, Taylor Negron se presenta como uno de los mejores malos de Shane Black, y tenemos derecho a una escena en la que Bruce Willis asesinó a un tipo con el palma de su propia mano.

Anaconda

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Con un índice de aprobación del 38% en Rotten Tomatoes, “Anaconda” generalmente se considera bastante horrible. Para pruebas, simplemente consulte las opiniones. Steve Newton de Georgia Straight criticó la película de 1997, escribiendo: “Solo para mostrar, muy temprano, cuánto peligro [the characters] Están dentro, vemos al soporte de estrella de la película apretando una pantera negra tan apretada que aparece uno de sus globos oculares. “

Pero este tipo de cosas es lo que hace que “Anaconda” sea tan increíble. Por supuesto, si vas a la película esperando algo elegante, podrías dejarte decepcionado. Pero si está esperando la mejor película B de todos los tiempos, tendrá tiempo para su vida. Este es el tipo de película donde un tipo que cae de una cascada es arrancado del aire por una serpiente que cuelga de una rama de árbol.

¿Qué podría ser mejor que eso? Bueno, además de las criaturas asesinas, está Jon Voight, que está completamente loco como Paul Sarone, un loco que quiere capturar una serpiente y masticar todos los paisajes a la vista. Cada una de sus líneas es una joya exagerada, y estrangula a alguien con sus propias piernas antes de remojar a Jennifer López con un cubo de sangre de mono. Y si aún no está convencido de que “Anaconda” valga la pena, sepa que Voight puede dar el mayor guiño de la historia cinematográfica de una escena tan épica que Roger Ebert La escritura “Recordaríamos donde sea que los grandes lanzamientos de películas sean preciosos”.

Tirador

Imágenes primordiales

Antoine Fuqua ciertamente sabe cómo filmar una escena de acción. Para pruebas, no busque más allá de “Shooter”, un thriller de la trama de 2007 con Mark Wahlberg como sargento de artillería marina. Bob Lee Swagger. Hace años, se le dejó morir mientras organizaba una misión secreta en África, y ahora el tirador de élite desilusionado pasa sus días en las montañas, arrastrando con su perro (condenado), leyendo alrededor del 11 de septiembre y recordando a un compañero Fall.

Pero cuando un agente del gobierno perdido (Danny Glover) supervisa a los jactanciosos para un asesinato que no cometió, el sargento atrapa un rifle y se va a correr, con la esperanza de enseñar a los malos uno o dos cosas en los valores estadounidenses. Jugar como una versión inflada de “Three Days of the Condor”, “Shooter” es un cuerno de abundancia de escenas de acción increíbles. Está el tiroteo africano de apertura, luego está la confrontación de invierno en la cima de una montaña nevada. Hay una confrontación brutal del sitio negro que implica una aterradora muerte de la muerte y, por supuesto, está la impresionante batalla de la granja (literalmente) con el uso liberal de napalm, bombas de tubería y una acción de helicóptero intensa.

Wahlberg es perfecto como fanfaron, que vive completamente en el papel de un matón de héroe estadounidense. De hecho, el actor incluso fue al campo de entrenamiento y se formó con un verdadero francotirador para prepararse para el papel. También es muy divertido ver a Wahlberg convertirse en un MacGyver completo, improvisar todo, desde sus silenciadores hasta el IV. Simplemente ignore el 48% en Rotten Tomatoes porque, si nada más, esta película tiene a Michael Pena, y Michael Pena lo hace muy mejor.

Vaqueros y extraterrestres

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Dirigida por Jon Favreau, “Cowboys & Aliens” de 2011 a una de las películas más simples de películas de todos los tiempos. Lo que ves es lo que obtienes: los vaqueros que luchan contra los extraterrestres (con la ayuda de ciertos guerreros Apache). Puedes imaginar mirar algo en progreso en la década de 1950, y Favreau logra tomar la locura y pasar un buen rato.

La intriga implica un forajido (Daniel Craig) que se despierta un día en el desierto sin ninguna idea de quién es, cómo llegó o por qué hay un brazalete de metal en su brazo. Pero este brazalete es útil cuando los ovnis eliminaron a los ciudadanos de una ciudad vecina. Resulta que esta pieza de metal es un arma de otro mundo, dando a nuestro forajido una ventaja contra los invasores extraterrestres. Y la verdadera moda occidental, Craig debe ensillar y rodar para salvar a los habitantes de la ciudad desaparecidos, acompañados de una mujer enigmática (Olivia Wilde) y un criador rival (Harrison Ford).

Sin embargo, una serie de críticas se han molestado, la película tomó su tonta trama si es en serio. Pero realmente, por eso “Cowboys & Aliens” funciona tan bien. La película nunca te guiñó un ojo. No trata de ser irónico. Es un occidental justo donde los malos son solo espacio, y debido a que la película trata sinceramente la ciencia ficción, la película es mucho más atractiva que si viéramos a Schlock consciente de uno mismo. También podemos ver a James Bond y Han Solo Associate para matar a un extraterrestre. El diseño de la criatura es genial, las escenas de acción son intensas (en particular esta primera escena de invasión), y es divertido ver cómo reaccionan estos personajes del siglo XIX ante los elementos de la ciencia ficción.

Blancanieves y el cazador

Imágenes universales

“Blancanieves y el cazador” fue acusado de ser demasiado oscuro, demasiado largo y demasiado aburrido, pero aunque la película ciertamente tiene sus fallas, vale la pena ver las imágenes solo. Hecho por Rupert Sanders, esta fantasía oscura y granulada tiene imágenes de corbata con algo que puede ver en una película dirigida por Tarsem Singh o Guillermo del Toro. Hay el momento en que Blancanieves (Kristen Stewart) se escapa en una playa neblina y tropieza con un hermoso semental blanco, o la escena en la que la reina Ravenna (Charlize Theron) se baña en una infusión lechosa, justo después de mordisquear el corazón de un pájaro .

Con secuencias como estas, “Blancanieves y el Hutntsman” se comparte en partes iguales del combustible de los sueños y la pesadilla, y eso no duele que Theron se lanza para jugar a la peor bruja del mundo, aumentando el volumen y girando terror cada vez Camina en la pantalla.

Mientras tanto, Stewart ancla la película con una actuación mucho más realista y empática, e incluso Chris Hemsworth intensifica su actuación. Aunque esto hubiera sido preferible si hubieran usado personas reales, los enanos son interpretados por algunos de los mejores actores de los personajes británicos, por ejemplo, Bob Hoskins, Nick Frost e Ian McShane, y encienden cosas cuando aparecen. Por supuesto, esto no se compara con el Walt Disney Classic, pero realmente no lo intenta. Esta es una película blanca que se refiere más al lado oscuro de los cuentos de hadas: sangre, barro, horror y asombro.

El majestuoso

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Entre las adaptaciones de Stephen King, Frank Darabont decidió hacer una película al estilo de Frank Capra. El resultado fue “The Majestic”, una película tan dulce y nostálgica que es impactante pensar que el mismo director luego haría “la niebla”. Pero si bien esta característica de una criatura macabra es tan pesimista como las películas, “The Majestic” cree en las ideas antiguas como el bien contra el mal y la libertad de expresión. Si bien las críticas cínicas estimaron que estaba “inflada” y “manipulador”, en realidad es un regreso al gran corazón a películas como “El Sr. Smith va a Washington”.

La historia sigue a Jim Carrey en el papel de Peter Appleton, un guionista de una lista negra que obtiene amnesia y se encuentra en una pequeña ciudad dormida donde está confundido con un veterinario de la Segunda Guerra Mundial. Como no recuerda quién es o de dónde viene, Peter Bond con su nuevo padre (Martin Landau) y un interés romántico sospechoso (Laurie Holden). Finalmente, los recuerdos de Peter regresan, amenazando su nueva existencia, y las cosas se vuelven aún más complicadas cuando se le pide que testifique ante el comité de actividades no estadounidenses de la cámara. Pero a la manera de Jimmy Stewart, Peter se levanta en ocasiones y da un discurso emocionante para defender el derecho de decir y creer lo que quieres.

Carrey está en la cima de su juego aquí, ofreciendo una actuación dramática que está allí con sus papeles en “The Truman Show” y “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. “The Majestic” es una película breve inspiradora sobre el patriotismo, la defensa de los derechos civiles y el mantenimiento del pequeño hombre. En estos tiempos controvertidos, es un mensaje increíblemente relevante.

Vainilla

Imágenes primordiales

Basado en la película española de 1998 “Open Your Eyes”, el quinto largometraje de Cameron Crowe marca el lugar donde muchos piensan que comenzó a perder el contacto. Durante años, había impresionado al público con películas como “Jerry Maguire” y “casi famosa”, pero después de “Vanilla Sky” de 2001, se tomó un descanso en las críticas, Crowe comenzó a hacer películas como “Aloha” y “Compramos un zoo”.

Pero si es cierto que la producción posterior de Crowe no puede compararse con su trabajo anterior, es injusto culpar a “Vanilla Sky”. A pesar de su reputación, este vehículo Tom Cruise es una mentalidad sólida con más pañales que “Creación” y más giros y vueltas que “Memoria”. Cruise realmente gana su cheque de pago aquí mientras David Ames, un playboy ultra rico que tiene la vida desgarrada y luego comienza a perder la cabeza … tal vez. Cruise realmente vende el miedo y la creciente paranoia de David, y sus relaciones con Penélope Cruz y Cameron Díaz están terminados magistralmente, destacando dos lados muy diferentes del mismo hombre.

La película también está llena de algunas imágenes bastante horribles y momentos realmente inquietantes, extraños trajes de dormitorio en las grotescas fotos de la cara de Cruise (solo mira la película; lo entenderás más tarde). Luego están Kurt Russell, Tilda Swinton y Noah Taylor brillando en el rendimiento de apoyo. Además, cuando miras esta inquietante escena de apertura, recuerda que lo que ves es real: Crowe realmente ha cerrado Times Square para esta secuencia, y debes darle al Director el mérito de tener el coraje de revisar un ramo de ocupados New Yorkers New Yorkers .

Reinado del fuego

Disney

¿Alguna vez te has preguntado qué pasaría si Batman tuviera que competir contra Smaug? Bueno, tienes suerte. Lanzado en 2002, “Reign of Fire” encuentra a Christian Bale asociándose con Matthew McConaughey y Gerard Butler para luchar contra una legión de lagartos alados. ¿No se parece esa la premisa fantástica más increíble para decorar la pantalla grande? La mayoría de las críticas no han visto esto de esta manera, porque la película tiene un índice de aprobación del 40% en Rotten Tomatoes.

Las malas críticas son confusas. Dirigido por Rob Bowman, “Reign of Fire” sumerge a los espectadores en un mundo post-apocalíptico de caballeros modernos y dragones de fuego. Un pequeño grupo de sobrevivientes de telas, dirigidos por Bale, se estableció en un castillo de Moody Northumberland, lleno de velas de cera y tuberías steampunk. Obligados a vivir en un mundo de fuego, los sobrevivientes han creado disfraces a partir de llamas y camiones de agua blindados hasta extinguir las llamas bestiales. Con respecto a la tecnología, es una mezcla inteligente de la Edad Media y la Segunda Guerra Mundial, con falconadores y teléfonos en el suelo.

Luego está Chauve Matthew McConaughey como un dragón glaseado en el bullicio, un comando tatuado con su propio ejército privado. Y no olvidemos a los paracaidistas con dos segundos de vida que rompen los dragones con cañones claros. Pero mientras el paisaje está envuelto en humo y el mundo está cubierto de cenizas, la película tiene una sensación de humor excéntrico que compensa todo el grano y la mugre. Y es cierto, los dragones CG a veces parecen anticuados, pero cuando el alfa masculino se presenta al final, estamos listos para ignorar los efectos de 2002 porque estamos muy interesados ​​en esta historia de un hombre contra la bestia.

Libro de Eli

Fotos de Warner Bros.

Ubicado en post-apocalipsis, “Eli’s Book” juega como “Mad Max” Meeting “Fistful of Dollars” se encuentra con el evangelio de Jean, y las cosas se vuelven más locas desde allí. Se lleva a cabo en un mundo donde las toallas húmedas se usan como moneda, las personas pagan para cargar sus iPod y los salones locales ganan dinero vendiendo agua. Es un mundo polvoriento y deprimente donde aquellos que pueden leer tienen todo el poder, y la fe es más poderosa que una pistola cargada.

Dirigida por los Hughes Brothers, esta ciencia ficción occidental sigue a Denzel Washington como Eli, un guerrero santo deambulando por lo que queda de los Estados Unidos. Acompañado por un machete y Mila Kunis, Eli lleva la última copia restante de la Biblia King James, y espera llevar el libro sagrado en un lugar seguro en la costa. Desafortunadamente, un dictador de la pequeña ciudad (Gary Oldman) quiere el libro para sí mismo, sabiendo que puede ayudarlo a establecer su enfermedad. Pero en lugar de disparar las otras jugadas, Eli está listo para monitorear el ojo para asegurarse de que la reliquia lo hiciera de manera segura a través de Estados Unidos.

Además de ciertas escenas de acción magistrales, “The Book of Eli” es un comentario poderoso sobre el poder de la religión. La película admite que la religión puede usarse para el bien y el mal, y todo depende de lo que mantenga la Biblia; También es el poder de la escritura y cómo los libros pueden dar forma a las civilizaciones enteras. Y es un poco genial escuchar a Denzel recitar las Escrituras antes de matar a un grupo de muchachos.

Después

Fotos de Warner Bros.

Clint Eastwood tiene una historia extraña en términos de realización. Por un lado, hizo películas increíbles como “Unforgiven” y “Million Dollar Baby”. Por otro lado, hizo películas que son menos que estelar como “J. Edgar” y “Jersey Boys”. Sin embargo, a pesar de lo que dicen las críticas, la película del director de 2010, “en adelante”, está firmemente en el medio. No alcanza los picos de “The Outlaw Josey Wales”, pero es muy superior a algo como “Space Cowboys”.

De hecho, “en adelante” es una película increíblemente reflejada, una hermosa exploración de la espiritualidad que quizás no esperes del hombre sin nombre. Descrito por El Boston Globe Como “” El sexto sentido “para adultos o” choque “para el crédulo”, la película sigue tres escenarios distintos en personas desesperadas que buscan respuestas. Está el periodista francés (Cecile de France) obsesionado con el más allá después de una inminente experiencia de muerte. Hay un niño inglés (Frankie y George McLaren) que intenta contactar a su gemelo muerto. Y luego hay un psíquico estadounidense (Matt Damon) que se ha escondido porque no apoya el dolor asociado con sus poderes.

Finalmente, los tres personajes se encuentran en su búsqueda para descubrir lo que está sucediendo después de tener esta bobina mortal no saludable, y aunque “a continuación” no necesariamente tiene las respuestas, al menos está listo para considerar la pregunta. Además de sus temas pesados, la película tiene varias secuencias increíbles que involucran tsunamis y lecturas psíquicas, momentos que son completamente devastadores por razones completamente diferentes. “A continuación” podría haberse salvado cuando fue lanzado en los cines para ser demasiado sentimentales, pero estamos seguros de que esta película podrá encontrar la vida cinematográfica después de su muerte crítica.

Fantasma y oscuridad

Imágenes primordiales

Cuando “The Ghost and the Darkness” evolucionó en los cines, las críticas no estaban exactamente locas por la aventura de Safari en la lista de R. Roger Ebert en realidad dio la película Menos que una estrellaDiciendo que “las películas de Tarzán se ven sutiles y realistas”. Pero bueno, si quieres realistas, ve a ver “fuera de África”. Si quieres un thriller de sangre en el que Val Kilmer y Michael Douglas-Oquipte dos comedores masculinos, es hora de localizar esta película de acción de 1996.

Basado en una verdadera historia increíble, “The Ghost and the Darkness” encuentra a Kilmer interpretando al coronel John Henry Patterson, un soldado traído al arbusto africano cuando dos gatos hambrientos comienzan a transformar a los empleados del ferrocarril en comida rápida. Pero hay algo extraño en estos felinos: es casi como si fueran malos en forma de animal, y si quieres luchar contra los demonios, entonces es posible que necesite unirte con el propio Diablo, el cazador de alias Charles Remington (Douglas).

Con un guión para el legendario William Goldman, la película está llena de sets de corazón, incluida una brutal masacre del hospital y la cueva más aterradora del mundo. La película se lleva a cabo como la versión africana de “Jaws”, y aunque la película de Steven Spielberg es una obra maestra absoluta, “The Ghost and the Darkness” tiene suficientes emociones y escalofríos para mantenerte pegado a la pantalla … o revisando constantemente Su hombro para asegurarse de que su gato en casa no tenga idea.

Que sueños pueden venir

Polygram de entretenimiento filmado

Basado en la novela de Richard Matheson, “What Dreams May Come” presenta a Robin Williams en una película sobre tristeza y muerte. Es cierto que verlo podría ser particularmente doloroso a la luz de la muerte del actor en 2014. Pero en lugar de dañar la película, la historia de Williams agrega una capa completamente nueva a esta historia llena de esperanza sobre lo que podría llegar después de nuestra muerte.

Inspirado en su nombre del monólogo inmortal de Hamlet, “What Dreams May Venir” sigue el viaje espiritual de dos almas, Chris (Williams) y su esposa Annie (Annabella Sciorra). La vida no era agradable para estos dos amantes: sus dos hijos fueron asesinados en un accidente automovilístico, y solo cuatro años después, el propio Chris está mezclado con esta bobina mortal. En lugar de desaparecer en el vacío, reaparece en un mundo de pintura y sueños donde aprende a aceptar su nueva existencia. Pero cuando se entera de que Annie se suicidó y se perdió en el infierno, Chris propone salvarla y traerla de regreso al paraíso.

Desafortunadamente, la película recibió críticas mixtas a los críticos, lo que besó la película por su “intriga insuficiente”. Pero aunque no tiene la historia más compleja del mundo, debe ser una de las películas más bellas jamás hechas. Desde su cielo florido hasta su infierno medieval, se nos da una magnífica pintura viva tras otra. Además, Robin Williams lo destruirá absolutamente con una de las mejores actuaciones dramáticas de su carrera: en una película de otro mundo que puede dejarlo un poco menos temeroso de lo que podría esperarnos a todos.

Si usted o alguien que conozca en dificultad o en crisis, hay ayuda disponible. Llame o envíe un SMS 988 o discuta 988lifeline.org

El último castillo

Fotos de DreamWorks

Dirigido por Rod Lurie, “The Last Castle” es esencialmente “la redención de Shawshank”, solo que en lugar de cavar un túnel, Andy Dufresne decide dirigir un disturbio de la prisión, y en lugar de Tim Robbins, tenemos la leyenda de Hollywood Robert Robert Redford, quien había interpretado un personaje por última vez tras las rejas hace más de 20 años en “Brubaker”. Esta vez, Redford interpreta al teniente general Eugene Irwin, un soldado decorado que se encuentra en una prisión militar conocida como el castillo. Este lugar es una fortaleza moderna (es lo suficientemente fuerte como para sostener el casco), y desafortunadamente, está dirigido por un director sádico (James Gandolfini) que no le importa matar a los prisioneros para mantener las cosas bajo control.

Naturalmente, esto no va bien con Irwin, un sobreviviente de Hanoi Hilton, y comienza a inculcar a los condenados con un sentimiento de orgullo, enviándolos de nuevo y recordándoles que son soldados. Pronto, creó su propio ejército y planea restaurar un cierto orden al castillo por todos los medios necesarios. Redford y Gandolfini son excelentes aquí como una fuerza imparable y un objeto irremovable. Son dos maestros de ajedrez, cada uno tratando de frustrar al otro en un juego donde el orgullo, el honor y la esperanza (sin mencionar la vida humana) están en juego.

Profecías de Mothman

Línea de sony piches

Cuando las “profecías de Mothman” han llegado a los cines, una serie de críticas han hecho todo lo posible para reducirlo. ¿Pero sabes a quién realmente le gustó esta película de terror Richard Gere? El maestro del mismo monstruos, Guillermo del Toro. El tipo detrás de los clásicos modernos como “Pan’s Labyrinth” y “The Shape of Water”, Del Toro se describió en Fangoria (a través de juegos de radar) Como “gran fan” de la película. Y, por supuesto, como el Consenso crítico En Rotten Tomatoes subraya, la película “hace más preguntas de las que él responde”, pero eso no significa que no te ponga nervioso para salir una vez que se ponga el sol.

Basado en un bien libro dudoso Por John Keel, la película sigue a Gere como periodista del Washington Post que descubre cosas aterradoras que ocurren en una ciudad en Virginia-Western. Las personas tienen sueños inquietantes de inminente desgracia, mientras que otras reciben misteriosas llamadas telefónicas de seres sobrenaturales. Además, hay una criatura alada con ojos rojos que vuelan. Todo se combina para crear, como ha señalado el entretenimiento semanal, “un estado de ánimo de la piel de gallina apocalíptica con la brazada que gana las comparaciones para” no mirar ahora “. Si has visto este clásico aterrador, que presenta una de las mejores terminaciones cinematográficas de terror del siglo XX, sabes que es un cumplido.

Ocean’s Doce

Fotos de Warner Bros.

Tres años después de “Ocean’s Eleven”, el director Steven Soderbergh regresó al mundo de los delincuentes y los delincuentes con “Ocean’s Doce” de 2004. Pero obviamente, las críticas no estaban completamente listas para una secuela. Si bien el original es con un índice de aprobación del 82% en Rotten Tomatoes, la segunda parte tiene solo el 55%, lo que la convierte en la entrada más revisada de la franquicia original. Estamos desconcertados por todo odio, porque el resto es un rango suave lleno de robo inteligente y chistes de mina completa.

Después de haber gastado todas sus ganancias mal adquiridas de la primera película, Danny Ocean (George Clooney) y su grupo feliz de repente se encuentran en una deuda grave cuando el dueño del casino fava, Terry Benedict (Andy García), se presenta a sus puertas. Desesperado por el dinero, la tripulación se dirige a Europa, donde se encuentran con un ladrón vengativo (Vincent Cassel) y un conocimiento de detectives Europol (Catherine Zeta-Jones) que tiene mucha historia con Ryan Ryan oxidado perpetuamente para Brad Pitt.

Al igual que la primera película, la química entre los Crooks es absolutamente hilarante, y los chistes de larga data (Matt Damon se preocupan por sus padres, el mandarín fácilmente entendido por Shaobo Qin, los nombres ridículos para cada trabajo estúpido) siempre son fuertes. Tenemos un ladrón de gatos bailando su camino a través de una habitación llena de láseres, y la pandilla llega a levantar una casa entera para que puedan romper una caja fuerte. Además de toda la actividad criminal, la relación tormentosa y sexy entre Pitt y Zeta-Jones es el corazón de la película. Es cierto que la gran revelación en el final cae plana, pero la película es tan entretenida que es fácil olvidar el punto culminante débil.

La fuente

Fotos de Warner Bros.

Con películas como “¡Madre!” En su filmografía, Darren Aronofsky no es ajeno a la controversia. Pero aunque desencadenó un debate con películas sobre personajes religiosos y adictos a las drogas, ninguna de sus películas nunca ha recibido un golpe crítico como “The Fountain” de 2006. La peor película examinada de su carrera, este psicodélico de fantasía tiene una calificación de aprobación del 52% en Rotten Tomatoes y bombardeó duro en la taquilla. Esto simplemente muestra que Fortune no siempre promueve la audacia, porque la película de Aronofsky no es más que grande, atrevida y ambiciosa.

“The Fountain” se siente como “2001: An Odyssey of Space” roto con “el séptimo sello”, y hace todo lo posible para defender estos clásicos. La película se divide en tres partes, cada segmento se centra en un aventurero (Hugh Jackman) que intenta desesperadamente salvar a la mujer de sus sueños (Rachel Weisz). Un escenario tiene lugar en el siglo XVI, involucramos a un investigador moderno del cáncer y un espacio tiene lugar en el espacio, con un Jackman tipo Buda que viaja por el cosmos en una burbuja gigante.

Mientras Jackman está luchando contra los guerreros mayas y Weisz luchando contra el cáncer, “The Fountain” gira en torno a la búsqueda interminable de la humanidad para derrotar a la muerte y vivir un poco más. Las actuaciones son desgarradoras, las imágenes son de ensueño y como El Boston Globe En otras palabras, todo es “un regreso al cine visionario de la década de 1960 y principios de la década de 1970”. Entonces, si está buscando una película sobre los conquistadores, los amantes de las estrellas, los monjes espaciales flotantes y la búsqueda de la vida eterna, visite “La Fontaine”.

Águila vs tiburón

Miramax

Años antes de encontrar el éxito de Blockbuster con “Thor: Ragnarok”, Taika Waititi estalló en el escenario con “Eagle vs. Shark”, una película de 2007 que parece Jared Hess hizo un episodio de “Flight of the Conchords”. Pero incluso si hizo muchas comparaciones con “Napoleon Dynamite”, todo negativo, esta comedia de Nueva Zelanda tiene mucho más corazón que su contraparte estadounidense.

“Eagle vs. Shark” sigue a Lily (Loren Horsley), una trabajadora solitaria de comida rápida que es golpeada por una vela para fabricar Jarrod (Jemaine Clement). Después de haber vinculado su amor compartido por los animales depredadores y los videojuegos, los dos van a la ciudad natal de Jarrod, donde planea vengarse de un tirano de la infancia.

Al igual que Waititi, que comienza como una comedia original que involucra atuendos de tiburones y artes marciales se convierte en una historia sorprendentemente conmovedora sobre la tristeza, la soledad y la necesidad de pertenecer. Aunque es la película más débil de Waititi (después de todo, fue el tipo que hizo “buscar a los wilderpeople” y “lo que hacemos en las sombras”), Clement y Horsley traen mucha humanidad a sus personajes originales, creando una extraña entrañable Aparece que le resulta difícil encontrar romance, entrar en el pasado y encontrar el disfraz de animal perfecto.

La vida secreta de Walter Mitty

20th Century Fox

Dirigida por Ben Stiller, “La vida secreta de Walter Mitty” de 2013 es la segunda grieta de Hollywood en las noticias de James Thurber, con mucho, la más pintoresca. Evitando sus lugares exóticos típicos, la película de Stiller tiene lugar en algunos de los lugares más bellos del mundo, incluidos Islandia, Groenlandia y Afganistán. La película lleva a sus espectadores a través del Glacé Atlantic, en el Himalaya nevado y a través de grandes tramos de abierta nada europea. Como un héroe, el imaginativo Walter Mitty (Stiller), emergiendo por todos los nuevos sitios y sonidos, no podemos evitar quedar atrapados en su deseo de viajar.

Entonces, ¿qué hace Walter mientras viaja por el mundo? Bueno, cuando se abre la película, trabaja como activos negativos en la revista Life, y cuando está lleno de colega (Kristen Wiig), sueña con todo tipo de formas imaginarias para hacer que su vida sea más emocionante. Pero si bien es bueno para fantasear escenarios locos, Walter no es el tipo de persona que nunca dejará su aburrido trabajo de oficina. De todos modos, no es antes de que pierda un negativo precioso, lo que captura la “quintaesencia de la vida”.

Desesperado por encontrar la foto, viaja por todo el mundo en busca del fotógrafo (Sean Penn), y como resultado, obtenemos una película simple y sincera y mucho más que el Insto de viajes. Es una película con un mensaje, el que quiere que veamos el mundo, nos acercamos, nos encontremos y lo sentimos. Después de todo, este es el objetivo de la vida.

El contador

Fotos de Warner Bros.

Combine “Rain Man” con “The Bourne Identity”, y obtendrá “el contador” de 2016, un thriller matemático y asesino que ciertamente es desordenado pero siempre muy divertido. Dirigido por Gavin O’Connor, sigue a un contador autista llamado Christian Wolff (Ben Affleck) que usa sus habilidades aprendidas para ayudar a grandes delincuentes como traficantes de armas y carteles de drogas. También es bastante práctico cuando se trata de vencer a los malos y explotar los tontos de increíbles distancias.

Pero solo porque trabaje para las “personas más aterradoras del planeta”, eso no significa que Wolff sea completamente malo. Este es el tipo de persona que ayudará a una pareja a frustrarse al IRS, o para proteger a una nueva amiga (Anna Kendrick) cuando los asesinos salariales se presentan en su puerta, a pesar de que los agentes del Tesoro intentan encontrarlo. También es un tipo con problemas serios de papá, porque su viejo hombre (Robert C. Treveiler) era un padre efectivo pero nunca ganó el premio “Padre del Año”.

Es cierto que la intriga deambula un poco e implica todo, de una compañía de robótica y un drama familiar para vengarse de la mafia, pero a pesar de los meandros del guión, el personaje de JK Simmons es casi inútil: “el contador” es un emocionante y una película dura de cocinar, un amplio impulsado por la actuación subestimada de Affleck como un hombre que puede multiplicar todas las figuras que le das … luego asesinas con su propio cinturón. Además, la película tiene a Jon Bernthal para interpretar a un asesino astuto, y realmente no se puede pedir mucho más.

Triple 9

Películas de carreteras abiertas

Todo el respeto debido al director John Hillcoat, el cineasta detrás de “la propuesta”, “The Road” y “Lawless”, pero cuando miras “Triple 9”, lo miras por el elenco. Todos en Hollywood están en la película. Y queremos decir que todos, desde los ganadores de los Oscar como Kate Winslet y Casey Affleck hasta estrellas exitosas como Gal Gadot y Anthony Mackie. Está el legendario Woody Harrelson, el actor del personaje “This Guy” Clifton Collins Jr., así como estrellas de televisión como Aaron Paul, Norman Reedus y Michael K. Williams.

Chiwetel Ejiofor es el jefe de Michael Atwood, un cerebro criminal contra la multitud rusa. Después de tener un robo bancario para un jefe de la mafia que apuñala por la espalda (Winslet, como nunca lo has visto antes), Atwood y su pandilla se ven obligados a retirar un trabajo final en un edificio casi inexpugnable. Sabiendo que su vida está en juego, el lugar se arrastra con los guardias, y los rusos quieren resultados, Atwood y sus matones deciden ir por un “Triple 9”, lo que significa matar a un oficial de policía para atraer la atención de su próximo vuelo.

Por supuesto, esto causa un poco de tensión en la tripulación de Atwood, especialmente porque dos de sus lacans son policías retorcidos. A medida que D -Day se está acercando, el plan hermético comienza a colapsar y no hace falta decir que muchas personas se encuentran violentamente asesinadas. Aunque nunca alcanza los niveles de clásicos de robo como “Heat”, “Triple 9” siempre agarra la espera y nunca lo suelta, en gran parte gracias a su distribución increíblemente talentosa.

La carrera de cerveza más grande de todos los tiempos

Apple TV +

La guerra de Vietnam no solo fue uno de los conflictos más conflictivos en la historia de Estados Unidos, sino que también fue muy difícil obtener refrescos apropiados en ciertas partes de Vietnam. Sin embargo, hay esperanza en el horizonte en forma de John “Chickie” Donohue (Zac Efron), un comerciante marino que vive en Nueva York. Cuando se entera de un amigo asesinado en combate, decide que la mejor manera de ayudar a sus amigos sobrevivientes es traerles una cerveza.

Aunque puedes pensar que la parte más difícil del Plan de Chickie es ir a Vietnam, te equivocas. “La mejor carrera de cerveza de todos los tiempos” cuenta la verdadera historia de la forma en que Chickie va a Vietnam con una bolsa deportiva llena de latas de cinta blanca con bastante facilidad, y con ayuda, llega a donde tiene que ir. Entrar en Vietnam es un pastel, pero de hecho, encontrar a tus amigos en el campo de batalla, distribuir en todo el país y luego salir, es la cosa. Finalmente, Chickie realiza su misión y entrega cervezas a sus amigos en sus agujeros de zorro.

Los críticos no estaban tan fascinados como el público, aumentando a una división entre los dos del 43% y el 91% en Rotten Tomatoes. Pero mientras las críticas estaban felices de transmitir la película, los espectadores encontraron la historia encantadora, emocionante y honesta. La película finalmente ofrece una historia sorprendentemente anclada en la amistad en medio del contexto de un conflicto y división mortal.

¡Bote!

Amazon MGM Studios

“¡Bote!” California está en una California distópica, pero no en el futuro desde la distancia, más como unos pocos años en la década de 2030. Después de regresar a California, ignora por completo la Gran Lotería, pero gracias a un toque de azar y cuasi-serendipia, gana $ 3.6 mil millones. Desafortunadamente, lo que Katie no sabe es que el ganador de la lotería no es la persona más afortunada de California.

Es porque el que gana en la lotería debe sobrevivir hasta el final del día porque todos en el estado intentan matarla. Quien termina la vida de Katie gana su premio sin tener que luchar por sus vidas. Si bien su situación se vuelve meticulosamente clara, Noel Cassidy (John Cena) la salvó, un agente de protección de lotería que ofrece mantenerlo vivo durante un 10%. La siguiente es una serie de acción exagerada mezclada con ineptos asesinos potenciales para cazar a Katie para reclamar su premio.

“¡Bote!” No gané una respuesta crítica generosa, pero lo importante que debe saber sobre la película es que no intenta tomarse en serio. La película es más un comentario sobre la naturaleza corrupta del dinero, porque empuja el 99.99% de las personas a asesinar. En su rostro, sin embargo, “Jackpot!” Es una película divertida con una premisa indudablemente tonta que funciona porque es más que la suma de sus partes: es una película divertida y entretenida con una gran distribución.

El hombre gris

Netflix

El equipo editorial de Anthony y Joe Russo dirigió varias películas de alto nivel, incluidas “Avengers: Endgame”, “Captain America: Civil War” y otros. En 2022, los hermanos lanzaron “The Gray Man”, que sigue al agente más calificado de la CIA, conocido como Sierra Six (Ryan Gosling), mientras descubrió una conspiración de la agencia y gana un objetivo a la parte posterior de un viejo compañero, Lloyd Hansen (Chris Evans, interpretado como el villano después de una década como Capitán América).

La película ciertamente tiene algunos problemas de ritmo porque sigue a Sierra Six en su búsqueda, pero finalmente se encuentra a través del tipo de secuencias de acción masivas que esperas de los directores de las últimas dos epopeyas “Avengers”. La película también tiene un casting empaquetado que incluye a Ana de Armas, Billy Bob Thornton y Alfre Woodard, por nombrar solo algunos.

Las críticas no eran particularmente amables con el “hombre gris”, centrados en su intriga derivada, pero ¿son la mayoría de las películas de acción? Mientras tanto, al público amaba “The Gray Man” porque ofrece una montaña rusa estrella que paseaba por increíbles secuencias de acción. Ninguno de los actores llamó a sus actuaciones, y está claro que todas las personas involucradas querían producir una película divertida y llena de acción, lo que hicieron precisamente.

Inexplorado

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Hollywood tiene una larga historia de videojuegos que son mal adecuados para la pantalla grande. Hay valores aberrantes, por supuesto, y el advenimiento de CGI ha mejorado ciertas adaptaciones a lo largo de los años. “Uncharted” es una de las mejores franquicias exclusivas en PlayStation, y debido a que los juegos ya son increíblemente cinematográficos, adaptarlas a la pantalla no es tan difícil como hacer una película en un peón 2D.

“Inexplorado“ es una joya rara de una película de videojuegos que incluye lo más posible de la franquicia sin ir por encima. También se convierte de tal manera que no necesitas haber jugado ninguno de los juegos para aprovecharlo, aunque probablemente quieras sumergirte en él después de ver “Uncharted”. La película sigue a Nathan “Nate” Drake (Tom Holland), quien se embarca en una búsqueda para encontrar a su hermano, Sam (Rudy Pankow), con la ayuda de Víctor “Sully” Sullivan (Mark Wahlberg). Lanzan en problemas, lanzando una serie de grandes sets y secuencias de acción bellamente coreografiadas.

“Uncharted” es una divertida película de acción y aventura, a menudo emocionante, pero las críticas no lo han visto de esta manera. La película recopiló una nota del 44% en Rotten Tomatoes, considerablemente más bajo que la respuesta pública del 89%. El consenso de la crítica sugiere que la película no está a la altura del legado del juego, al tiempo que falla las películas de aventuras sobre el tema similar. Pero el público apreció “Uncharted” porque es una adaptación apropiada del juego y se hace solo como una excelente película de aventura.

El rey león

Disney

La inclinación de Disney por la producción de actualizaciones en vivo de sus películas clásicas fue impactada o extrañada con los fanáticos. Algunos desprecian la casa del mouse para rehacer clásicos, mientras que a otros les gusta saltar en sus historias favoritas con nuevos actores o imágenes. Pensar “El Rey León”, con una distribución de animales que hablan, no era tan simple como contratar a un grupo de actores, luego Disney optó por CGI para recrear la historia. “The Lion King” sigue la misma intriga que el lanzamiento original de 1994, aunque hay cambios en la historia y la canción.

Sin embargo, si te sientas a ver el recientemente publicado “Lion King”, verás una de las películas más brillantemente animadas jamás hechas. La atención a los detalles sobre los matices de los movimientos animales, incluidos los movimientos autónomos de las orejas, colas y músculos subyacentes, da vida a los animales en la pantalla. Pueden ser animados, pero parecen increíblemente reales, a pesar de su capacidad para hablar, por supuesto.

El público ha aceptado claramente el remake porque el palométrico de la película en Rotten Tomatoes es del 88%. Por el contrario, las críticas no quedaron impresionadas, dando a la película una nota del 51%. Los críticos apreciaron la realización visual de la creación de animales realistas, pero no les gustó cómo la película cuenta una historia familiar con pocos cambios. Por otro lado, “The Lion King” es más que un remake: es una actualización original que utiliza la tecnología moderna para lograr la historia de una manera que nunca hubiera podido hacer cuando la película animada original entró en producción a principios de la década de 1990.

La película Super Mario Bros.

Imágenes universales

Mientras que la incapacidad de Hollywood para hacer adaptaciones decentes de videojuegos fue completamente expuesta en “Super Mario Bros.” Desde 1993 “en 1993, una de las peores películas que nunca se han hecho, no podemos decir sobre la última oferta de la franquicia. Tres décadas después,” la película Super Mario Bros. “logró tomar más de 40 años de contenido de videojuegos y para Combínelo en una sola película de una manera que no sienta narrativamente inflado o congestionado con las tradiciones.

“The Super Mario Bros. Movie” es una historia original que muestra cómo Mario (Chris Pratt) y Luigi (Charlie Day) encuentran su camino hacia el reino de los hongos para enfrentar el Bad Bowser (Jack Black). La historia está directamente de un “Mario Bros.” Videojuego, pero eso no se detiene allí. La película se lanza en la abundancia de la franquicia “Donkey Kong” y mezcla todo esto en una historia coherente que ofrece lo mejor de lo que ha hecho y continúa haciendo que Nintendo sea especial: su catálogo masivo de personajes divertidos.

La película presenta muchos huevos de Pascua y tropos de franquicias y es el tipo de película que les gusta a todos, excepto a los críticos, por supuesto. No les gustó la intriga de la película, lo que le da un 59% en Rotten Tomatoes. Dado que el pomóvelo es del 95%, hay algo de desconexión allí. La película no fue hecha para las críticas; Fue hecho para los fanáticos, y también es por eso que estalló a todos en la taquilla, con una posible impresión de taquilla de $ 1.36 mil millones.